【編按：本篇人物專訪文章對象為韓國聲響藝術家Woo Haran（우하란，O8KK）。他現正於台南節點 Zit-Dim Art Space進駐創作，並將於6/13舉辦個展「You hear something. I know you do.」。而本篇專訪完成於展覽開幕之前，記号邀請他談論自己的聲響創作脈絡、對於聲音與聲響的聯想，並邀請他描述即將於個展中發表的創作。】
Woo Haran，우하란，2000年生於韓國，現居首爾，為作曲家與視覺藝術家 。其創作以自建的詩性宇宙「[O8kk]」為核心框架——月亮[O]、雲[8]、星群[kk]構成一個持續演化的符號網絡 ，橫跨音樂、錄像與裝置。他畢業於加州藝術學院（CalArts）音樂作曲學士，師承Michael Pisaro、Ulrich Krieger與Karen Tanaka，發展出融合聲音、圖像與表演的跨媒介實踐 。
2021年，他以融入韓國民謠元素的獨奏鋼琴作品，榮獲美國音樂教師全國協會（MTNA）全國第二名；2024年，以一件探索自然與數位結構之流動關係的錄像作品，獲得義大利威尼斯拉古納藝術獎（Arte Laguna Prize）特別獎 。此次台灣駐村機會，正是透過該獎項獲得 。其作品曾於格拉斯哥Radiophrenia、倫敦實驗電影節、雅典數位藝術節、紐約GUI/GOOEY等國際平台展出 。目前他正於台南節點藝術空間（Zit-Dim Art Space）進行駐村創作，並將於六月十三日發表駐村展覽《Evocator》。
Instagram：Woo Haran
1. 宇宙學的起源
記：你以「[O8kk]」——一個由月亮、雲與星所構成的詩性宇宙——建立起整個創作實踐。這套象徵框架是如何誕生的？它是先從音樂浮現，還是從視覺開始？
Woo：我的工作橫跨音樂、錄像與裝置，但挑戰不僅僅在於跨媒介工作本身。即便在音樂之內，我對實驗作曲、聲音藝術、電子音樂，以及以歌曲為基礎的音樂同樣認真。我從來沒有辦法只選擇其中一個方向。
正因如此，我有時會擔心自己的創作可能變得過於散漫。當一個藝術家真正投入於許多不同的取徑時，要在不把自己化約為單一類別的前提下維持專注感，是相當困難的。創造一套宇宙學，成為一種將這些不同興趣聚攏在一起、而不強迫它們趨同的方式。
起初，我對這套宇宙學並沒有明確的哲學或體系。我所擁有的，是一種強烈的直覺：我需要某種象徵框架，能夠在漫長的時間裡與我的創作一同成長。
最重要的轉捩點之一，是創作了繪畫作品《想像的三組件(Three Pieces of Imagination)》（2022）。回頭看，那件作品幫助我辨認出許多後來成為[O8kk]核心的視覺母題。月亮、雲、星星，以及其他反覆出現的元素，開始感覺不像是分離的圖像，更像是一個更大星座中的各個部分。
與此同時，我已完成或正在創作的許多音樂作品，在概念與主題上似乎也自然地契合於[O8kk]之中。回頭看，這感覺像是發現了一條早已貫穿其中的線索。[O8kk]成為一種方式，讓我得以辨認那些原本看似毫無關聯之事物之間的連結。
2. 多一性（ Plural Oneness ）
記：在你的創作自述中提及的「奇異與複數在持續變形中共存（Singularity and plurality coexisting in continuous transformation）」，聽起來幾乎是矛盾的。對你而言，多一性（Plural Oneness 다일성）是一種哲學立場，還是你在創作過程中實際體驗到的狀態？
Woo：多一性是我在創作過程中真實體驗到的狀態。
當我創作時，我常常感覺自己在創造不同版本的自己。[O8kk]中反覆出現的許多核心物件與形象，都共享著相似的特質：它們是黑暗中安靜發光的微小存在。滿月、波光粼粼水面上的光點，乃至骨骼化的魚「hee」，都感覺像是同一種存在的不同顯現。與此同時，它們仍是不同的生命，活在不同的地方與不同的時間。它們也可以被理解為僅僅彼此相似的全然不同個體。
多一性對我而言，與其說是哲學上的結論，更像是一種存在論上的困惑。我常常發現自己在思索：它們是我嗎？如果是，哪一個才是我？也許兩者都是，也許都不是。最終，我通常得到的答案是：「我不知道。」
這或許正是我的許多作品都圍繞著「變形」主題的原因。就如同[O]象徵月相的循環，[8]象徵水的流轉，同一種存在以不同的形態反覆返回，彷彿在持續變化的同時，又以某種方式維持著自身。
我所知道的是，我對那些微小的事物懷有深深的情感。它們都是可愛的、悲傷的、奇怪的。它們感覺像是我自己的倒影，這正是它們對我而言如此私密的原因。
3. 聲音與圖像之間
記：你在加州藝術學院（CalArts）接受的是音樂作曲訓練，然而你的創作如今橫跨聲音、圖像與表演。作曲的思維如何塑造了你處理視覺的方式？在你的作品中，兩者是平等的，還是其中一方構成了底層結構？
Woo：當我在音樂以外的媒介中工作時，我常常發現自己遵循著在作曲時所依靠的同一種直覺性流動。我也援引許多透過學習作曲所習得的技術與思考方式。
例如，我透過作曲學到的一個概念，是如何通過變奏來發展主題；而這種思維方式持續塑造著我的視覺工作方式。我常常在單件作品中或跨作品之間重複某個視覺元素，有時是細微的改變，有時則是以完全不同的形式或媒介呈現。
我感興趣的是，重複如何積累意義，讓一個想法隨著時間獲得新的關聯，變得更加有力。由於我正式的訓練是音樂作曲，我自然會在從事其他媒介時，援引透過音樂創作所發展出的經驗、方法與直覺。
然而，我並不認為聲音與圖像存在於一種階層關係之中。我更願意將聲音與圖像視為同一創作過程中平等的部分，而不是其中一方作為另一方的底層結構。
4. 來到臺灣
記：在駐村期間，你置身於一個對你而言相當陌生的文化環境中。臺南或臺灣的哪些面向進入了你的創作，或者打亂了你慣常的工作過程？
Woo：駐村期間，我始終被各種語言、對話與情境所包圍；我能感知到它們，卻無法完全理解。即使我知道自己聽不懂大部分的內容，我仍然發現自己在仔細聆聽，搜尋那些可能幫助我理解正在發生之事的微小線索。
在某種程度上，這段經驗讓我想起初抵美國求學時的感受。久而久之，我學會了如何與不確定性共處，有時甚至假裝自己理解的比實際更多。最終，我意識到，不完全理解某件事，可以是一種有趣的棲居狀態。
這些經驗對最終的展覽而言尤為重要。在許多方面，這件作品正是從這種仔細聆聽某些可被感知、卻永遠無法被完全把握之事的體驗中生長出來的。
5. 關於個展「You hear something. I know you do.」
記：六月十三日在節點藝術空間呈現的作品，是駐村期間的全新創作，還是在地方脈絡中重新審視的既有作品？你希望臺灣觀眾帶著怎樣的問題走進展場？
Woo：這次個展中展出的其中一件作品《Evocator》最初是我2023年在CalArts就讀期間創作的。當時，我對風的聲音產生了強烈的興趣，想像一首由風演奏、無需依賴傳統樂器的作曲。然而，在飛回韓國之前，我始終沒能找到合適的有風天氣進行錄音。在飛機上，我最終錄下了機艙引擎的聲音，並以此作為素材。雖然音樂上行得通，但我從未對此感到完全滿足，因為素材本身並不是風。
三年後的今天，在臺灣的駐村期間，我得以在臺東錄下強勁的風聲，並以這些錄音重建整件作品。從這個意義上說，駐村讓我得以重訪一個懸而未決的念頭，讓它更接近我最初的想像。
個展「你聽見了什麼。我知道你聽見了。」其實是一件多媒體裝置作品，結合了以聲音為核心的計畫《오슬（Ever-Passing）》以及音樂作品《Evocator》。展覽追溯錄製的風聲如何被傾聽、詮釋，並轉譯為音樂形式的過程。除此之外的全新創作〈聆聽之板（A Board of Listening）〉、〈Evocator〉、〈風之複調（Aeolian Polyphony）〉，則是奠基在《오슬（Ever-Passing）》這項以聲音為基礎的創作計畫當中。
至於臺灣觀眾，我只希望他們能保持對不確定性的開放。這個展覽並不著眼於在科學意義上理解風，而是關於仔細聆聽某些永遠不會變得完全清晰的事物。我不希望引導觀者走向某種特定的詮釋，而是希望他們帶著一種意願進入展場；在辨認或解釋自己所聽到的之前，先願意傾聽。
我們將什麼投射在聲音之上？聆聽在哪個時刻成為了想像？這些是我希望觀眾在穿行於展覽之中時，能夠帶著走的問題。
6. 反問
記：如果你能反過來向臺南（或臺灣）提一個問題，你會問什麼？
Woo：大家還好嗎？這裡也太熱了！
本篇文章工作人員：
採訪企劃｜陳晞
編輯｜陳晞
攝影｜彭奕軒
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